[Film] We need to talk about Kevin

Titre original : We need to talk about Kevin

 

Réalisé par : Lynne Ramsay

 

Date de sortie : 28 septembre 2011

 

Genre : Drame

 

Pays d’origine : USA, Angleterre

 

Durée : 1h50

 

Casting : Tilda Swinton, John C. Reilly, Ezra Miller, Ashley Gerasimovich…

 

Résumé : Eva a mis sa vie professionnelle et ses ambitions personnelles entre parenthèses pour donner naissance à Kevin. La communication entre mère et fils s’avère d’emblée très compliquée. A l’aube de ses 16 ans, il commet l’irréparable. Eva s’interroge alors sur sa responsabilité. En se remémorant les étapes de sa vie avant et avec Kevin, elle tente de comprendre ce qu’elle aurait pu ou peut-être dû faire.

 

Mon avis : We need to talk about Kevin est l’adaptation du roman éponyme de Lionel Shriver. Alors, comme en littérature on est moins snob qu’au cinéma, pour le livre, le titre a été traduit en « il faut qu’on parle de Kevin » (Franchement, ils auraient pu traduire le titre, d’autant plus que ça a été fait pour le livre. Mais bon, c’est déjà mieux que quand ils mettent un titre en anglais MAIS pas le même que l’original. Par exemple la série Army Wives qui en français est devenu American Wives…).

Le livre est écrit à la première personne, à travers les yeux d’Eva, la mère de Kevin, qui s’adresse par lettre à son époux dont elle est séparée. Dans le film, on suit toujours Eva, on ne sait que ce qu’elle sait, mais il manque le côté chronologique qu’on trouvait dans ses lettres. Certes elle mêlait déjà passé et présent, mais c’était assez facile de distinguer les deux périodes. Ici les scènes s’enchaînent sans qu’on sache à quelle période on se trouve, sauf à scruter l’actrice qui a les cheveux un peu plus longs après le drame qu’avant. J’aurais apprécié que le passé et le présent soient différenciés par un changement de luminosité ou un adoucissement des contrastes, comme il est souvent d’usage de faire quand on change d’époque dans une même histoire.

Je pense que si je n’avais pas lu le livre avant de voir le film, j’aurais eu beaucoup plus de mal à entrer dans l’histoire.
Même si j’ai beaucoup aimé le film (oui, j’ai préféré le livre, mais c’est souvent le cas), j’ai eu quelques regrets.
D’abord j’ai trouvé que la réalisatrice avait pris le parti de présenter la mère comme la responsable du comportement de son fils.
J’ai trouvé un peu facile d’occulter le comportement inadmissible du père qui refuse le moindre blâme envers son fils. Dans le livre, on voit clairement que toutes les tentatives d’Eva pour contrôler et éduquer Kevin sont vouées à l’échec par l’aveuglement obstiné (et criminel) de son père (les nounous démissionnent, elles sont incompétentes, les profs se plaignent, ils n’aiment pas les enfants, les flics ramènent le gosse, ils ont forcément fait une erreur d’identification…). Tout cet aspect, bien présent dans le livre, est quasiment occulté dans le film. Ici le père n’assiste à aucune des bêtises de son fils et quand Eva le soupçonne de quelque chose, cela lui semble impossible (mais on peut le comprendre puisqu’il n’a jamais rien eu sous les yeux).

Quand à la fin du film, elle a été très nettement édulcorée. Certes, vous me direz qu’elle est déjà horrible, mais la fin du livre n’est pas seulement horrible, elle est aussi symbolique.
Un film sympa mais qui n’arrive pas à la cheville du roman.

[Film] Nos étoiles contraires

Titre original : The Fault In Our Stars

 

Réalisé par : Josh Boone

 

Date de sortie : 20 août 2014

 

Genre : Drame

 

Pays d’origine : USA

 

Durée : 2h05

 

Casting :Shailene Woodley, Ansel Elgort, Laura Dern, Sam Trammell, Nat Wolff…

 

Résumé : Hazel Grace et Gus sont deux adolescents hors-normes, partageant un humour ravageur et le mépris des conventions. Leur relation est elle-même inhabituelle, étant donné qu’ils se sont rencontrés et sont tombés amoureux lors d'un groupe de soutien pour les malades du cancer.

 

Mon avis : J’ai lu le livre en décembre 2016 et j’ai laissé passer un peu de temps avant de voir le film. Trois mois m’ont semblé être un bon délai : assez éloigné pour avoir digéré ma lecture, mais assez proche pour pouvoir juger de la fidélité de l’adaptation, même avec ma mémoire de poisson rouge.
Alors bien sûr, on ne va pas échapper au paquet de klennex, ne nous voilons pas la face, mais ce film reste optimiste.
Malgré la maladie et sa fin inéluctable, Hazel et Gus veulent non seulement vivre leur vie au maximum, mais aussi s’assurer que ceux qui restent ne vont pas s’éteindre avec eux.
A part quelques détails et une scène qui a été déplacée, le film reste très fidèle au chef d’œuvre de John Green.
Pour paraphraser Hazel, à propos de l’auteur de son livre préféré : il sait comment ça fait d’être en train de mourir sans être en train de mourir lui-même.
Les acteurs sont très crédibles dans leur rôle. Hazel est à la fois effrayée, révoltée et résignée (oui on peut être révoltée et résignée en même temps !).

Gus, lui, est optimiste, presque jusqu’au bout.

Ce qui m’a marqué dans ce film (comme dans le livre, d’ailleurs) c’est que les choses n’évoluent pas comme on pensait qu’elles évolueraient.
Il y a des critiques professionnels qui se sont crus malins en disant que ce film avait pour défaut de vouloir faire pleurer. Pourtant, ils ne trouvent pas que le fait de faire rire soit un défaut pour une comédie, ou que le fait de faire peur soit un défaut pour un film d’horreur ? Alors pourquoi trouver que faire pleurer est un défaut pour un drame ?
Doit-on, pour contenter ces grands spécialistes édulcorer la vie pour n’en montrer que le côté amusant ? Ou ne faire que des films se déroulant dans d’autres mondes ? Pourquoi ne pourrait-on pas montrer à l’écran des réalités plus sérieuses ? Et oui, pas toujours drôles.
J’ai beaucoup aimé le rôle des parents de Hazel qui sont pris entre leur inquiétude, leur chagrin de devoir se préparer à perdre leur enfant, et le fait de devoir essayer de rester optimiste pour que Hazel continue de se battre contre la maladie.

 

[Film] Madame Bovary

Titre original : Madame Bovary

 

Réalisé par : Sophie Barthes

 

Date de sortie : 4 novembre 2015

 

Genre : Drame

 

Pays d’origine : Angleterre, Belgique

 

Durée : 1h59

 

Casting : Mia Wasikowska, Ezra Miller, Henry Lloyd-Hughes, rhys Ifans, Logan marshall-Green, Laura Carmichael…

 

Résumé : Emma Rouault, fraîchement sortie du couvent, épouse Charles Bovary, un médecin de campagne qui se réjouit d’avoir trouvé la compagne parfaite. Emma occupe ses journées à aménager sa nouvelle demeure, dessine, joue du piano et reçoit avec élégance les visiteurs. Cette vie monochrome auprès d’un époux sans raffinement est bien loin des fastes et de la passion auxquels elle aspire. Ses rencontres avec M. Lheureux, habile commerçant, le Marquis d’Andervilliers, et Léon, jeune clerc de notaire, vont rompre la monotonie de son existence.

 

Mon avis : Ici je ne vais que donner mon avis sur le film sans faire de comparaison avec le livre car je ne l’ai toujours pas lu (oui je sais, honte sur moi !).
La réalisatrice (le scénariste aussi du coup, mais là de suite, on en parle moins) a décidé de se concentrer sur l’ennui que ressent Emma dans sa vie de femme mariée, ennui qui va la pousser non seulement à l’adultère mais aussi à une sorte de frénésie d’achats qui ne sera pas sans conséquences.
Le mari d’Emma n’est pas franchement antipathique. C’est un homme bon, qui se contente de ce qu’il a et qui ne s’intéresse guère aux distractions telles que l’opéra ou le piano. Pour autant, il ne prive Emma de rien, lui propose de rester seule à Rouen un jour de plus pour qu’elle puisse aller à l’opéra, ne rechigne pas quand elle réclame des cours de piano… Il aime profondément sa femme, cela se voit.

Et c’est peut être cette bonté et cet amour qui dérange encore plus la jeune femme. De son propre aveu, elle se sentirait moins coupable si son mari était un monstre d’égoïsme qui ne lui autorisait rien et qui la maltraitait car ainsi elle pourrait au moins le haïr alors que là, il n’y a vraiment rien à reprocher à Charles Bovary, si ce n’est la modestie de sa condition.
Le problème c’est qu’Emma, entre son ennui et le fait qu’elle a passé sa jeunesse dans un couvent pour n’en sortir que pour se marier est romantique à l’excès et très naïve.

Elle tombe ainsi tour à tour dans les pièges de monsieur LHeureux

et du marquis

qui veulent d’elle deux choses totalement différentes mais qui précipiteront sa chute de la même façon.
En amour, Emma est exigeante, collante dirait-on aujourd’hui. Elle ne comprend pas, ou ne veut pas comprendre que les hommes auxquels elle s’accroche puissent avoir des obligations, comme Léon, et surtout elle n’a aucune notion d’argent.

Pour elle l’argent ne compte pas, elle n’arrive pas à concevoir que l’argent puisse être un frein pour quoi que ce soit.
Pourtant, elle attire la sympathie. Des autres personnages, d’abord. En effet, sa domestique qui était déjà au service de son mari, va garder pour elle des secrets qu’aucun domestique de l’époque n’aurait gardés pour sa maîtresse (surtout quand on sait qu’à l’époque, le seul maître à bord était le mari).

Du spectateur ensuite, car elle montre un profond mal-être et s’en veut énormément de risquer de faire de la peine à son époux sans toutefois parvenir à s’en empêcher.
Bien sûr, même sans avoir lu le roman, je sais que le film prend des libertés. D’abord parce qu’on n’adapte pas fidèlement en moins de 2h un pavé de 500 page aussi riche que le texte de Flaubert, ensuite parce que la réalisatrice s’est attaché à un élément du roman : l’ennui d’Emma. On ne développe pas la personnalité de Charles Bovary au-delà de ce qui est nécessaire pour comprendre cet ennui, le couple n’a pas d’enfant (alors que dans le livre, la naissance de sa fille fait partie des éléments qui font sombrer Emma).
J’ai beaucoup aimé cette adaptation qui était un sacré risque, le roman ayant été adapté plus d’une quinzaine de fois.
C’est une adaptation qui peut donner envie de lire le livre (c’est mon cas) et qui permettra de faire un peu mieux connaitre outre atlantique ce chef d’œuvre de la littérature française.

 

 

[Film] Argo

Titre original : Argo

 

Réalisé par : Ben Affleck

 

Date de sortie : 07 novembre 2012

 

Genre : Drame

 

Pays d’origine : USA

 

Durée : 1h59

 

Casting : Ben Affleck, Bryan Cranston, John Goodman, Alan Arkin, Kyle Chandler, Chris Messina, Clea DuVall, Zeljko Ivanek…

 

Résumé : Le 4 novembre 1979, au summum de la révolution iranienne, des militants envahissent l’ambassade américaine de Téhéran, et prennent 52 Américains en otage. Mais au milieu du chaos, six Américains réussissent à s’échapper et à se réfugier au domicile de l’ambassadeur canadien. Sachant qu’ils seront inévitablement découverts et probablement tués, un spécialiste de "l’exfiltration" de la CIA du nom de Tony Mendez monte un plan risqué visant à les faire sortir du pays. Un plan si incroyable qu’il ne pourrait exister qu’au cinéma.

 

Mon avis : Dès son arrivée comme consultant, Tony Mendez déclare : « Une exfiltration c’est comme un avortement, on a pas envie de le faire, mais si on y est forcé, on ne le pratique pas soi-même ».

On dit que le plan que Tony monte pour faire sortir les 6 américains qui se sont échappés de l’ambassade et, paradoxalement, risquent plus leur vie que les otages qui sont sous le feu des projecteurs, est si incroyable qu’il ne pourrait exister qu’au cinéma, et de fait, c’est en regardant « la planète des singes » avec son fils que Mendez a eu l’idée de l’exfiltration.
Une chose qui m’a beaucoup plu dans ce film c’est que, pour une fois, tout se passe sans tirs à tout va ou explosions toutes les 3 minutes. Et ça fait du bien d’avoir une histoire construite un peu réaliste (non parce que les 7 gus qui s’en sorte en tirant dans le tas face à une armée… voilà quoi…).
En début de film, on nous résume rapidement l’histoire de l’iran jusqu’à la prise de pouvoir de l’ayatollah Khomeini, moment où se passe l’histoire. En effet, les USA ayant donné asile au Shah en fuite, et les iraniens le voulant pour le « juger » et l’exécuter, les tensions montent entre les deux pays jusqu’à l’invasion de l’ambassade par une armée d’excités et de soldats à la solde du nouveau régime.
La tension dramatique est soulagée par de régulières notes d’humour, venant, il est vrai, de ceux restés aux USA et assurant la logistique (ceux en Iran sont quelque peu occupé pour penser à faire de l’humour).

Ce film est crédible et on ressent une tension incroyable tout du long. Il faut dire que le plan est osé. Et quand la politique et surtout l’image des USA vient mettre son grain de sel, les choses se compliquent (ben oui, qu’est ce que la vie de 3 personnes si l’image des USA risque d’être égratignée, hein ?)
Heureusement pour les 6 américains, quand Tony Mendez est sur un coup, il n’apprécie pas trop qu’on change les choses au dernier moment.
Le film est un peu lent à démarrer mais toute l’introduction est absolument nécessaire pour que le reste soit cohérent (sinon on va voir Taken, il part au quart de tour, un mec le regarde de traviole dans la rue, et il met un pays à feu et à sang).
Bien sur la fin du film semble avoir été exagérée pour ajouter une tension dramatique et un suspense qui tient en haleine jusqu’à la dernière minutes. Même si je doute que la fin de l’opération réelle se soit ainsi déroulée sur le fil du rasoir, ces scènes étaient très bien faites et font se terminer le film en apothéose.

D’ailleurs, on a reproché au film de donner une part trop importante à l’action américaine, en occultant la participation du Canada qui a été bien plus importante que présentée dans ce long-métrage.
A la fin, quelques petites notes nous disent ce que sont devenus les vraies personnes ayant pris part à « l’opération Argo » (ceci est le nom donné dans le film, je ne crois pas que l’opération ait eu un nom officiel), histoire qu’on ne meure pas idiots !

 

 

[Film] Chicago

 

Titre original : Chicago

 

Réalisé par : Rob Marshall

 

Date de sortie : 26 février 2003

 

Genre : Comédie dramatique

 

Pays d’origine : USA, Allemagne

 

Durée : 1h53

 

Casting : Renée Zellweger, Catherine Zeta-Jones, Richard Gere, John C. Reilly, Queen Latifah, Taye Diggs…

 

Résumé : A Chicago, dans les années vingt, Roxie Hart, une jeune femme qui rêve de monter sur la scène de l'Onyx Club, est accusée du meurtre de son amant indélicat et envoyée en prison. Derrière les barreaux, elle retrouve celle qu'elle admire, Velma Kelly, une chanteuse de jazz condamnée pour avoir tué son mari et sa soeur, pris en flagrant délit d'adultère.

Le très populaire avocat Billy Flynn va brillamment plaider leur cause et attirer l'attention des médias sur ces deux jeunes femmes à la superbe voix. Roxie, dont Billy a fait l'emblème de la naïveté abusée, devient en quelque temps une véritable star à Chicago...

 

Mon avis : Chicago n’est pas un film à proprement parlé, c’est avant tout une comédie musicale. Mais, celle-ci étant portée par de véritables acteurs, on échappe aux passages parlés sur joués et pénibles. Ici, les passages joués et les passages chantés sont aussi intéressant les uns que les autres et on ne sait pas si les premiers accompagnent les seconds ou si les seconds subliment les premiers.
Il ne faut pas chercher de moralité dans Chicago. Il n’y en a aucune. Les meurtrières mentent, trichent, manipulent, pour échapper à la potence et au final, c’est la seule innocente de la prison qui sera exécutée.
Quant à l’avocat, c’est un modèle d’avidité, que ce soit d’argent, de renommée ou de victoires.

Le seul à avoir de la moralité est le substitut du procureur mais c’est aussi celui qui est rendu le plus antipathique dans le jeu de dupes organisé par l’avocat Billy Flynn.
Malgré les conseils de Velma Kelly, plus rodée qu’elle au jeu de la manipulation et de la célébrité,

Roxie Hart prend vite la grosse tête devant les journalistes qui se bousculent pour l’interviewer et semble incapable de se rendre compte qu’elle sera aussi vite oubliée qu’elle a été encensée.

Bien sûr le point fort de Chicago, outre son scénario, c’est son casting. Catherine Zeta-Jones, Richard Gere (qui s’était tous deux déjà frotté à la comédie musicale et naviguent donc en terrain connu, ce qui se ressent), Queen Latifah, très à l’aise, comme on pouvait s’y attendre, dans les parties chantée, mais aussi très crédible dans son rôle, Renée Zellweger, qu’on ne présente plus.
Même les seconds et tout petits rôles sont des figurent connues avec la chanteuse Mya ou encore les actrices Lucy Liu et Christine Baranski.

Chicago dénonce aussi la justice de cette ville qui, dans les années 30, voyait commettre des meurtres toutes les 2 minutes et où les procès relevaient plus du spectacle médiatique que de la justice.

Les chansons et les musiques nous plongent sans problème dans cette période des USA avec des sons très Jazz. On oublie les murs de la prison pour se retrouver sur la scène d’un cabaret.
Un excellent mélange de comédie et de comédie musicale qui fait passer un excellent moment.

 

[Film] Jeanne Poisson, Marquise de Pompadour

 

Titre original : Jeanne Poisson, Marquise de Pompadour

 

Réalisé par : Robin Davis

 

Date de sortie : 2006

 

Genre : Romance historique

 

Pays d’origine : France

 

Durée : 2 parties de 90 minutes

 

Casting : Helène de Fougerolles, Vincent Perez, Charlotte de Turckheim, Damien Jouillerot, Jennifer Decker, Chloé Stefani, Léa Wiazemsky, Elisabeth Margoni, Yvon Back…

 

Résumé : Jeanne Poisson, jeune bourgeoise devenue madame d'Etiolles grâce à un mariage orchestré par une mère ambitieuse, part à la conquête du jeune et séduisant roi Louis XV dont elle tombe éperdument amoureuse. Leur histoire d'amour durera 20 ans.

 

Mon avis : Dans ce téléfilm en deux partie, pour une durée totale d’environ 3h, on va suivre Jeanne Poisson depuis sa rencontre avec le roi Louis XV jusqu’à sa mort. La marquise de Pompadour ayant été la favorite du roi pendant près de 20 ans, on se doute que le film va nous montrer cette période en « accéléré ».
Le réalisateur du téléfilm ne s’en est pas caché : ici, on va se concentrer sur la relation entre Jeanne et le roi, et pas sur la réalité historique.
Tombé follement amoureux de Jeanne Poisson, Le roi la veut à Versailles. Mais une roturière à Versailles, cela est impensable. Qu’à cela ne tienne, il l’anoblit et pour lui dégoter une marraine, indispensable à sa présentation à la cour, il efface les dettes de jeu de la plus endettée des dames de la cour. Ce stratagème fonctionne si bien qu’il réitérera des années plus tard pour la présentation de Mme du Barry.
Vincent Perez campe un Louis XV flamboyant et amoureux, mais se désintéressant des affaires, ennuyé par la politique.

Il a de bonnes idées, comme la décision d’imposer des impôts aux nobles et au clergé, mais face à la grogne que cela provoque, il laisse tomber le projet, n’ayant aucune envie de se battre. C’est aussi un roi qui se vexe pour un rien, prenant pour offense la moindre réflexion. Face à Jeanne, qui n’hésite pas à lui dire ce qu’elle pense, il est désemparé.
 Il faut dire que Jeanne fait scandale : elle fréquente les philosophes et les lettrés et s’avoue sans honte athée.

J’ai beaucoup aimé Charlotte de Turckheim en reine trompée mais pleine de dignité.

Damien Jouillerot est aussi très crédible en dauphin hargneux. Son personnage va cependant un peu loin. Si on sait que la relation entre son père et Jeanne lui déplaisait, c’était plus par conviction religieuse que pas haine irraisonnée.

D’après les historiens c’était un homme sérieux, cultivé, très pieux mais très concerné par le peuple. On pense d’ailleurs qu’il n’y aurait pas eu de Révolution s’il avait régné. Ici, il fait petit garçon trépignant de colère et prêt à casser les jouets des copains pour rester le seul sur le terrain de jeu.
Les nombreuses filles du roi vivant à Versailles sont réduites à deux : Henriette et Adélaïde.

La plus jeune étant au couvent et les deux précédentes n’étant pas encore à la cour, comme le dit la reine, il nous manque Victoire. C’est dommage car plus tard elle et Adélaïde seront les plus présentes des Mesdames Tantes auprès de Louis XVI et Marie Antoinette.
Le film montre bien que La Pompadour et le roi ne seront amants que moins d’une dizaine d’années. Malgré cela, elle restera la favorite pendant près de 20 ans, continuant à influencer le roi et à faire et défaire les ministres au gré de ses ambitions.
A la fin de sa vie, contrairement à la coutume, Jeanne ne sera pas renvoyée dans ses propriétés. Elle mourra à Versailles, privilège de la famille royale seulement. Encore une fois, le film montre bien que jusqu’à la fin, la marquise de Pompadour aura créé le scandale !

[Film] La servante écarlate

Titre original : The Handmaid's Tale

 

Réalisé par : Volker Schlöndorff

 

Date de sortie : 20 juin 1990

 

Genre : Drame

 

Pays d’origine : Allemagne, USA

 

Durée : 1h48

 

Casting : Natasha Richardson, Robert Duvall, Elizabeth McGovern, Faye Dunaway, Aidan Quinn…

 

Résumé : A la fin du XXe siècle, les Etats-Unis sont gouvernes par un mouvement intégriste de droite. La pollution, les accidents nucléaires et les expériences génétiques ont rendu la plupart des femmes stériles. Celles qui sont encore fécondes sont placées comme reproductrices auprès des chefs de la nation, les "Commandants". C'est ainsi que Kate, qui voulait s'enfuir, est enlevée à sa famille pour servir de reproductrice au Commandant Fred

 

Mon avis : Je ne sais pas si c’est du à l’époque, mais c’est la deuxième adaptation de livre au ciné sorti en 1990 que je regarde en peu de temps, et encore une fois, le film est très fidèle au livre, même si des scènes ont du être raccourcies ou supprimées pour des questions de timing ou de rendu à l’écran.
Comme dans le livre, j’ai un peu regretté de ne pas savoir comment les femmes se retrouvent dans les différentes catégories. On sait que les servantes écarlates sont les femmes fertiles,

mais comment les autres se retrouvent-elle soit dans la catégorie des épouses (en bleu), soit dans la catégorie des Marthas (en vert et blanc) ?
Le film se passe d’effets spéciaux, l’histoire étant supposée avoir lieu dans un futur proche. Il réussi le tour de force, comme le livre mais cela est plus flagrant à l’image, de ne subir aucune perte de rythme alors même qu’il n’y a pratiquement aucune scène d’action.
La fin a du être un peu remaniée car dans le livre, l’histoire de Deffred (ici rebaptisée Offred) est découverte par le biais de cassettes et se termine donc abruptement sans que l’on sache ce qu’il est advenu d’elle. Il a donc fallut adapter la fin au fait que l’on suit Kate/Offred et que donc on ne pouvait se satisfaire d’une fin trop abrupte.

Ce qui fait le plus peur, c’est que loin des futurs apocalyptiques pleins de zombies et de monstres et auquel on ne croit pas plus longtemps que la longueur du film, ce futur là pourrait être réel. Après tout la prise de pouvoir par un état totalitaire, religieux intégriste (un peu comme l’a fait plus tard V pour Vendetta, mais qui était plus axée sur la résistance active alors que la servante écarlate s’attache plus à montrer ce que serait la vie sous ce régime), dans lequel les femmes sont réduites en esclavage (la stérilité d’un homme n’est jamais vérifiée, ni même supposée) est-ce vraiment dénué de sens ?

 

[Film] La trilogie marseillaise: César

Titre original : César

 

Réalisé par : Marcel Pagnol

 

Date de sortie : 13 novembre 1936

 

Genre : Comédie dramatique

 

Pays d’origine : France

 

Durée : 2h12

 

Casting : Pierre Fresnay, Fernand Charpin, Raimu, Orane Demazis, Andre Fouche, Robert Vattier, Paul Dullac, Milly Mathis, Alida Rouffe…

 

Résumé : Fanny, abandonnée par Marius, épouse Panisse qui adopte Césariot, l’enfant de l’amour, et l’élève comme son fils. Aujourd’hui, Césariot est adulte et Panisse se meurt. Fanny révèle la vérité́ à son fils qui décide alors de partir à la recherche de Marius, son père…

 

Mon avis : Si la narration des deux premiers films se suivait à la minute près, ici, on fait un bond de vingt ans.
Césariot, le fils de Fanny et Marius, est entré à Polytechnique et ne sais absolument pas que Panisse n’est pas son père biologique. Le secret a été ben gardé, à la demande de Panisse lui-même, qui n’avait que cette exigence lors de son mariage avec Fanny : être le père incontesté de l’enfant.
Mais le film commence sur une note triste. En effet, Panisse se meurt.

Alors bien sûr la situation est peut être dramatique, mais l’humour est toujours là : la discussion sur Dieu, la dispute entre le docteur et le curé, le moment des dernières paroles de Panisse (Avec César qui s’énerve : Qui est ce qui meurt ici ? C’est toi ou c’est lui ? Alors si c’est lui, laisse le parler !)…
Mais voilà que le curé est très clair : pour aller au Paradis, Panisse doit dire toute la vérité à Césariot. Mais rien à faire, le vieux bonhomme refuse. D’abord il meurt, et ensuite, Fanny pourra dire la vérité au « petit ».

Ce troisième volet est celui que j’aime le moins. D’abord Charpin ne reste guère, puisqu’il meurt dès le début, même si on parle beaucoup de lui par la suite. Ensuite, André Fouche, qui interprète Césariot, est fade, sans consistance, un peu comme sa « mère » à l’écran, Orane Demazis. Le problème c’est que ces deux là sont au centre du film. Et qu’au lieu de l’élever, ils le descendent.

Heureusement qu’il y a Raimu et Pierre Fresnay pour relever l’ensemble.
Césariot, même si on met de côté son interprète, n’est pas sympathique : il est arrogant, prompt au jugement. Il se permet des réflexions sur sa mère, des jugements de valeur sur ce qui lui est arrivé, alors que Panisse, premier concerné, n’y avait rien trouvé à redire.
Même s’il a perdu l’accent à force de passer son temps à polytechnique (il ne devait pas être bien accroché son accent pour le perdre en seulement quelques années), il n’a rien de César ou de Panisse, rien de leur caractère truculent, à croire qu’il a été élevé chez les jésuites !
J’ai en revanche beaucoup aimé la conversation qui a lieu entre Fanny, César, Césariot et Marius, dans laquelle Marius règle ses comptes (et il a de quoi dire, il faut bien l’admettre).
Petite ovation pour la partie de carte, miroir de celle du premier film, où la chaise de Panisse reste vide et où César, Escartefigue et Mr Brun imaginent ce qu’il aurait joué.
Même si ce film est celui que j’ai le moins aimé, on y trouve quand même de nombreuses scènes savoureuses et il clôt cette trilogie de manière très honorable.

 

[Film] la trilogie marseillaise: Fanny

Titre original : Fanny

 

Réalisé par : Marc Allégret

 

Date de sortie : 2 novembre 1932

 

Genre : Comédie dramatique

 

Pays d’origine : France

 

Durée : 2h05

 

Casting : Pierre Fresnay, Raimu, Fernand Charpin, Orane Demazis, Alida Rouffe, Robert Vattier, Auguste Mouries, Milly Mathis…

 

Résumé : Marius est parti sur « La Malaisie », abandonnant le vieux César, son père, et Fanny, sa fiancée, qui porte leur enfant. Panisse, un brave homme, épouse Fanny et adopte le petit Césariot qu’il aime comme un fils. Mais un jour, Marius revient…

 

Mon avis : Ce second volet de la trilogie marseillaise de Pagnol reprend exactement là où nous avait laissé le 1^er.
Marius s’est embarqué sur la Malaisie et Fanny est tombée dans les pommes alors que César lui faisait part de ses idées d’aménagement pour le jeune couple.
César la ramène chez sa mère, suivi par tout le voisinage, curieux.
Même si ce volet est moins comique que le précédent, on le commence avec une savoureuse discussion/dispute entre Honorine et César concernant la demande en mariage que celui-ci fait au nom de son fils.

Même sur un sujet aussi grave que le mariage (le divorce n’est pas du tout dans les mœurs de l’époque et donc, quand on se marie, c’est pour la vie), ces deux-là ne peuvent s’empêcher de se lancer des vacheries.
Mais les projets de César et Honorine tombent à l’eau quand Fanny lâche la bombe : Marius est parti. C’est un gros choc pour César et lui qui était déjà tyrannique, va devenir insupportable envers ses amis.

Du coté de Fanny, les choses ne vont guère mieux, d’autant plus qu’elle vient de se rendre compte que la seule nuit qu’elle a passé avec Marius a laissé une conséquence et non des moindres : elle est enceinte.
Une vrai catastrophe, selon les mœurs et la moralité de l’époque de se retrouver dans une telle situation sans être mariée.
La réaction d’Honorine montre à quel point c’est une catastrophe. Car comme le disait César, « l’honneur, c’est comme les allumettes, ça ne sert qu’une fois ».
Fanny se tourne alors vers Panisse, toujours prêt à l’épouser, même quand elle lui apprend la nouvelle.

Ce film-là, est plus long dans sa narration que Marius, car il se poursuit sur près de trois ans. Comme dans Marius, on est presque dans du théâtre filmé car ce qui compte avant tout, ce sont les dialogues. Les décors sont secondaires bien que plus important que dans Marius puisqu’au bar de César, on ajoute la maison de Panisse, celle d’Honorine (qu’on avait brièvement vue dans le premier film) ainsi que quelques plan extérieur assez intéressant (comme Fanny déambulant dans les rues de Marseille pour se rendre à Notre Dame de la Garde, ou encore la partie de pétanque qui se termine sur les rails du tramway, bloquant celui-ci tant que les mesures ne sont pas faites.)
Après, rien ne me fera apprécier le jeu d’Orane Demazis. A coté de ses compagnons de scène, je la trouve fade : elle sur joue, n’est absolument pas naturelle. Heureusement Raimu et Charpin crèvent l’écran et concentrent toute l’attention sur eux,

éclipsant celle qui n’a pour elle que d’être la maîtresse de Pagnol (Dieu merci, premier rôle féminin rimait souvent, pour Pagnol, avec compagne, et après leur séparation en 1938, elle n’a plus sévit dans les adaptations des œuvres de l’auteur).
Le film se fini tout aussi mal que le 1^er volet (enfin tout dépend pour qui) et pose la question du père : qui est le véritable père ? Celui qui donne la vie ? Ou celui qui aime ?

 

[Film] La trilogie marseillaise: Marius

Titre original : Marius

 

Réalisé par : Alexander Korda, Marcel Pagnol

 

Date de sortie : 10 octobre 1931

 

Genre : Comédie dramatique

 

Pays d’origine : France

 

Durée : 2h10

 

Casting : Pierre Fresnay, Fernand Charpin, Raime, Alida Rouffe, Orane Demazis, Paul Dullac, Robert Vattier…

 

Résumé : Marseille – Le bar de la Marine – Marius est un jeune homme que la mer exalte. Il aime son père César, bourru et bonhomme, il aime aussi la petite Fanny qui vend des coquillages devant le bar de César. Depuis son enfance, l’envie de courir le monde l’enflamme. Il lutte contre sa folie. Il ne veut pas abandonner son père qui en mourrait peut-être de chagrin, ni la petite Fanny qui ne pense qu’à lui. Et pourtant la mer est là…

 

Mon avis : Sorti au début du cinéma parlant, Marius est le premier long métrage à faire dire des textes aussi longs à ses acteurs. Il faut dire que Marcel Pagnol n’était pas du genre à faire les choses à moitié et qu’il ne voulait surtout rien perdre du charme de sa pièce de théâtre en la transposant au cinéma.
Pari réussi, puisque 85 ans après sa sortie, le film plait autant. Il ne fait pas parti de ceux dont on dit qu’ils ont « mal vieilli », même si le jeu des acteurs, surtout d’Orane Demazis et de Pierre Fresnay est un peu sur joué par moment (on leur pardonne, ils étaient jeunes et jouaient des marseillais sans l’être eux-mêmes).
Marius c’est avant tout les dialogues (enfin pas que Marius, les films de Pagnol en général).
Tous ceux qui ont vu ce film se souviendront de la partie de carte (tu me fends le cœur !)

ou du verre qui contient 4 tiers parce que tout dépend de la grosseur des tiers…

C’était le vrai Marseille, la ville où on aimait vivre, pas la zone de non droit qu’elle est devenue, maintenant que les vrais marseillais l’ont désertée.
Aujourd’hui, beaucoup de personnes se plaignent qu’elles ne comprennent rien aux dialogues. Mais à l’époque, que croient-ils, les parisiens, les bretons, les alsaciens, étaient eux aussi un peu perdus devant les expressions purement marseillaise, mais ils ne s’arrêtaient pas à ça, et, petit à petit, en comprenaient la signification. Pagnol nous a fait grâce du provençal et, à part avec Honorine, la mère de Fanny, quand elle s’énerve, on n’est guère confronté à ce patois du sud.
Et puis c’était une autre époque, une époque où un jeune fille se devait d’avoir une certaine retenue, où les disputes étaient bon enfants et plus du cinéma que de vraies engueulades, une époque où on pouvait mettre deux bouteilles de vin dans le puits et être certain de les trouver là où on les avaient mises le lendemain…
Les personnages principaux sont bourrés de défauts : Raimu est colérique et tyrannique, Panisse lâche et calculateur, Honorine emportée et quelque peu hypocrite, Escartefigue pas très futé, Marius un peu arrogant ne voulant pas avouer son amou à fanny mais ne supportant pas de voir un autre la regarder

, mais ce sont ces défauts qui les rends aussi attachants. Entre Marius et son père, incapables de se dire « je t’aime » par pudeur, Panisse qui a des vues sur une fille de trente ans sa cadette alors que sa femme n’est en terre que depuis 3 ou 4 mois

, Escartefigue qui tolère les infidélités de sa femme mais pas les critiques sur la marine française… Et cette passion de la mer qui anime Marius et qui conduira au drame. Pas le genre de drame avec dispute, meurtre, procès, mais un drame plus intime, qui aura des conséquences sur tout l’entourage du bar de la marine et pas seulement sur César et Fanny.

Ce premier film s’achève sur une certaine tension, nous les spectateurs, en sachant plus que César et pressentant ce qui va s’abattre sur lui dès le second volet de cette trilogie marseillaise.